LA SERPIENTE

Yo no aconsejaría a nadie ver esta serie por lo desagradable que es saber que alguien ha estado matando a personas de forma totalmente impune. Es decir, si en esta serie no se advirtiera que está basada en hechos reales, no podríamos creernos que se puedan cometer asesinatos y seguir viviendo sin más. Claro está, que se me puede objetar que Pol Pot, Stalin, Hitler, Mao y un sinfín más de dictadores y salvajes de su calaña lo estuvieron haciendo y multiplicado por cientos de miles de veces. Es cierto, pero no eran “particulares” y tenían al ejército y a los “publicistas” de su gobierno detrás.

El sujeto del cartel y la Bonnie que aparece detrás suyo lo estuvieron haciendo a lo largo de los años setenta del pasado siglo. La serie lo refleja muy bien, por lo que nada que comentar en contra en este sentido, pero la gramática de la misma no me ha gustado nada: para dar mayor intriga a la historia se utiliza la analepsis (flashback) de forma tan exagerada (varias veces por capítulo hacia delante y hacia atrás) que llega un momento que ya te despreocupas de saber en qué momento sucedió cada hecho. ¿Por qué seguí viendo la serie hasta el final?: porque en la primera escena se le acusa de haber asesinado a varias personas y él contesta que fue juzgado y declarado inocente. Quise comprobar si era así… y eso mismo tendrás que hacer tú si quieres saber si eso fue verdad. Pero yo no te lo he aconsejado (Jordi y Daniela me la aconsejaron y aún no les he perdonado).

Dirección: Hans Herbots, Tom Shankland

Fotografía: Seppe Van Grieken, Si Bell

Guion: Richard Warlow, Toby Finlay

Montaje: Helen Chapman, Malcom Crowe, Danielle Palmer

Música: Dominik Scherrer

Actores: Tahar Rahim, Billy Howle, Jenna Coleman, Ellie Bamber, Mathilde Warnier, Grégoire Isvarine

Plataforma: Netflix

(2021; 8 x 60’; **; 42)

UNA JOVEN PROMETEDORA

El día antes de la entrega de los Oscar, y creyendo que no había visto ninguna película nominada, fui a ver esta de la que habían hablado muy bien en La Cultureta: que si la actriz, la historia no te deja respirar, la guionista directora, en fin, que piqué.

La promesa que aparece en el espejo del cartel es una chica normal que sufrió una agresión y que decide limpiar el planeta de agresores. Originalísimo.

Estoy esperando a poder verla en alguna plataforma y que la vea Marisol, hasta donde aguante, por si tan equivocado estoy. Los de La Cultureta son una raza aparte pues, aunque le auguraban una ristra de premios solo se llevó el de Guion Original ¡que ya es decir!, pero tampoco quedó nada bien Mank y ahí sí que estaba de acuerdo con ellos.

Dirección: Emerald Fennell

Fotografía: Benjamin Kracun

Guion: Emerald Fennell

Montaje: Frédéric Thoraval

Música: Anthony Willis

Actores: Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Adam Brody, Ray Nicholson, Sam Richardson

Plataforma: cine

(2020; 113’; *; 41)

MARIDOS Y MUJERES

Un buen cartel, como el de esta película, nos disecciona, nunca mejor aplicado, el guion sin necesidad de contarnos los entresijos de la historia, como últimamente ocurre con los anuncios de las películas que ya parece que las hallamos visto cuando ni siquiera están en cartel.

Al hilo del párrafo anterior, dos matrimonios, amigos desde hace tiempo, quedan para cenar y a bocajarro les comunica la pareja invitada que van a separarse, lo que hace que las ganas de salir hayan desaparecido, a pesar de que les informan de que ha sido una decisión meditada y tomada por ambos.

Este inicio le permite a Allen presentarnos diferentes situaciones de acercamiento, primero, y alejamiento en las relaciones entre adultos, casados o no y, también, mostrarnos que aquello que al principio nos gusta de nuestra nueva pareja, si es muy alejado de lo que hacíamos, termina siendo un incordio. Una estupenda película que preludió la separación de Allen y Farrow (por orden alfabético).

Dirección: Woody Allen

Fotografía: Carlo Di Palma

Guion: Woody Allen

Montaje: Susan E. Morse

Música: Gustav Mahler

Actores: Woddy Allen, Mia Farrow, Sydney Pollack, Blythe Danner, Judy Davis, Juliette Lewis

Plataforma: Filmin

(1993; 108’; ***; 40)

BESAME, TONTO

Con un cartel como este, Wilder, Novak y Martin, ¿por qué no ver esta película que, además creíamos no haber visto? Nada más comenzar nos suena una canción y resulta que la habíamos visto en alguna otra vida. Pero no nos olvidaremos. Comedia fallida de Wilder, pues nadie es perfecto.

El actor que no aparece en el cartel, Walston, es un profesor de piano y compositor amateur, además de un celoso exagerado. Tiene un amigo que trabaja en una gasolinera delante de su casa que es el que hace las letras de las canciones. Ambos sueñan con que un día alguien escuche alguna de sus canciones y se hagan famosos. Martin llega a ese pueblo perdido a repostar, el amigo lo reconoce y le dice que el motor le fallará, que mejor se quede. Y le ofrece la casa de su amigo para que, descuidadamente, escuche sus melodías, pero el amigo teme por la virtud de su esposa, por lo que se les ocurre llamar a la chica descuidada del pueblo para que se haga pasar por su esposa y encandile a Martin.

Las melodías repetidas muchas veces, un Martin exagerado, una comedia de enredos en la que solo se salva Novak y, sobre todo el final, que no es nada hollywoodiense. Aconsejo ver la película desde el momento en que aparece esta actriz (unos treinta minutos antes del final), así también se verá a la que hace de su esposa, que es lo que permite un final con la firma de Wilder y Diamond.

Dirección: Billy Wilder

Fotografía: Joseph LaShelle

Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond

Montaje: Daniel Mandell

Música: André Previn

Actores: Dean Martin, Kim Novak, Ray Walston, Felicia Farr, Cliff Osmond, Barbara Pepper, Skip Ward

Plataforma: Filmin

(1964; 125’; *; 39)

FILM SYMPHONY ORCHESTRA

Esta es una crónica de urgencia, porque el sábado pasado fuimos a ver a esta orquesta en el Auditori de Barcelona y escribo esta crítica saltándome las de las catorce series o películas que están pendientes de pasar por estas páginas.

Al contrario que el nombre de este blog, primero comenzaré por lo personal: no me gusta, si voy a un auditorio, escuchar la música a través de potentes altavoces pues, a pesar de mi pésimo oído, me parece que el sonido de los instrumentos a través del aire hace que este vibre y su sonoridad sea diferente; no me gusta, si voy a un concierto que no es de rock, que la luz tenga una presencia tan importante e, incluso, que tenga que cerrar los ojos en un momento del concierto porque nos la dirigen a los espectadores; en cine hubo un momento en que se publicitó que la estrella era el director, pero en música ya lo son desde hace mucho tiempo, por lo que no me gusta que el director de la orquesta lleve una ropa talar del estilo de Darth Vader, tenga una tarima cuya base está compuesta de haces de luz, salte y baile, y alguna otra extravagancia más. No me gusta.

Ahora la parte del caleidoscopio (de kalós “bello”, eîdos “imagen” y -scopio): el sonido que emite la FSO a través de, cuando menos dos potentes altavoces situados a bastante altura, es envolvente, la sientes dentro, son solo cuarenta y seis músicos, pero parecen muchos más, las bandas sonoras se escuchan tal y como puede hacerse en cualquier cine de última generación; las “estufas” de luz (antiguamente habían unas resistencias con una placa metálica circular detrás para irradiar mejor el calor) y los cañones de luz que están a pie de orquesta y lanzan sus chorros hacia el techo o cualquier otra dirección, hacen que, en las músicas de películas de acción, el sonido se vea incrementado por la sensación lumínica y, aunque al principio desconcierta (quizá a un novato como yo), luego ya está dentro del conjunto; el director, al igual que la uniformada orquesta, aprovecha el look que tenemos de las películas más taquilleras y sale con una gabardina negra hasta los pies, alzacuello y puñetas en las mangas que, dado todo lo que se mueve, debe sudar hasta perder más kilos de los deseados.

Y, a parte de todo lo dicho, entre canción o suite de las bandas sonoras que interpretan, el director hace una explicación de lo que se va a oír, llevando hasta el espectador las circunstancias que puede haber hecho de esa película algo singular, musicalmente hablando, explicado con mucha gracia, soltura y conocimiento.

En resumen, es todo un espectáculo que nadie al que le guste la música de películas debería perderse. Nosotros no lo hicimos, gracias a El País, y espero volver a escucharlos cuando vuelvan a Barcelona.

(2021; 100’; ***; 38) 

 

THE ASSISTANT

Anunciada como la primera película del “me too” quiero verla por la protagonista, la joven del cartel, que ya aparecía en Ozark con una cara de desagradable que quería comprobar si aquí ponía la misma. Luego sigo con mi opinión, ahora un párrafo de sinopsis.

Garner, que es el apellido de la actriz, hace el papel de una secretaria de producción que comienza en el mundo del cine y que está dispuesta a hacer todo lo que haga falta para aprender y que algún día pueda llegar a ser productora. Así que se levanta cuando es de madrugada, llega a la oficina cuando no hay nadie, enciende las luces, limpia las mesas, tiras las papeleras y todo lo que hayan dejado de restos de comida, hace las fotocopias para todos aquellos que las precisan, llama a los coches con conductor y se asegura que vayan a buscar a las personas que así se ha acordado y confirma que las habitaciones de hotel están reservadas,… lo que he dicho: hace de todo y con una cara de resignación que pocas personas pueden llegar a poner después de ser la última en irse de la oficina.

Ya he aclarado si la cara iba a ser la misma que en la serie y no lo es, por lo que demuestra que tiene más registros que el de la joven gruñona. Lo del me too lo dejo en el aire para no destripar el resto, aunque añadiré que, si la prostitución es tan antigua como la humanidad, la opresión y el abuso de los unos por los otros (y, para que nadie se enfade, de ellas por ellos) también tiene la misma edad.

Termino mencionando a Kitty Green, directora, guionista y montadora de la película porque creo que tuvo claro lo que quería contar y el pulso que le quería imprimir a la película por lo que, si te gusta o no, es por culpa suya. A mí me ha gustado.

Dirección: Kitty Green

Fotografía: Michael Latham

Guion: Kitty Green

Montaje: Kitty Green, Blair McClendon

Música: Tamar-kali

Actores: Julia Garner, Matthew Macfadyen, Owen Holland, Jon Orsini, Rory Kulz, Migs Govea

Plataforma: Filmin

(2021; 88’; **; 37)

22 DE JULIO

El 22 de julio de hace diez años un hombre hace explotar una bomba a los pies de un edificio ministerial y, a continuación, vestido de policía se va a una isla cercana y dispara sobre una colonia de excursionistas haciendo una masacre.

Lo que esta serie presenta, aparte de mostrarnos a cierta distancia, lo descrito en el párrafo anterior, es lo que representó para las personas que se vieron implicadas en los sucesos, desde los padres de las víctimas, un policía que considera que no se actuó diligentemente, una periodista que descubre lo que no se podía creer que se hubiera hecho mal, hasta un bloguero que amenazaba conque Noruega estaba siendo invadida por los de raza árabe y termina siendo considerado como el instigador de la masacre. Está bien hecha y mantiene el interés.

Dirección: Paul Greengrass

Fotografía: Pal Ulvik Rokseth

Guion: Paul Greengrass, Asne Seierstad

Montaje: William Goldenberg

Música: Sune Martin

Actores: Anders Danielsen Lie, Jonas Strand Gravli, Jon Oigarden, María Bock, Thorbjon Harr

Plataforma: Filmin

(2018; 6 x 50’; **; 36)

UN ESPIA CON ARTE

Comenzaremos indicando su título original, pues de otra manera sería posible no encontrar nunca esta película: A question of attribution, que, en roman paladino, quiere decir Una cuestión de atribución, y de eso trata la película, aunque de muchas cosas más. A pesar de la seriedad del personaje principal de la película y de la reina que está detrás de él (una Prunella Scales que no la reconoció el que la ha visto decenas de veces en Hotel Fawlty y que aprovecho para aconsejar fervientemente), la película es más de un tono ligero que dramático, aunque al estar basada en un hecho real no haría gracia en su momento. Vayamos a lo que nos cuenta.

Basada en la obra de teatro del autor del guion, la historia nos explica que el sujeto que sostiene un cuadro también sostiene que es de un pintor famoso y que quiere estudiarlo para llegar al fondo del asunto. Claro que, además de erudito en arte, es un británico que espía para los rusos y que el Gobierno de Su Majestad lo sabe, pero que no lo hace público a fin de sonsacarle todo aquello que pueda serles útil. Los interrogatorios son lo más inverosímil que pueda imaginarse alguien y lo menos serio también, de ahí que no pueda considerarse un drama tal y como está expuesto. Setenta minutos que te sumergen en el mundo del arte, de los espías sin doble cero, de la realeza y su vida y que te hacen olvidar durante ese lapso de la tuya.

Dirección: John Schlesinger

Fotografía: John Hooper

Guion: Alan Bennet

Montaje: Mark Day

Música: Gerald Gouriet

Actores: James Fox, Prunella Scales, Gregory Floy, David Calder,  Edward de Souza, Geoffrey Palmer

Plataforma: Filmin

(1991; 70’; **; 35)

EL GRAN HOTEL BUDAPEST

Supe de este director, Wes Anderson, el año en que Anna entró a estudiar cine, pues tuvimos que ver un montón de películas y, entre ellas, había dos de él: casi diría que no me gustaron pero, volviéndolas a ver, descubres que no son tan tontas como parecen; que su mundo de colores tiene un estilo, muy personal, pero que le va como anillo al dedo a lo que muestra; que las películas están llenas de toques de humor y de estrellas del cine.

Con esta película me volvió a pasar lo mismo: creí que no me había gustado, pero esta vez era la tercera que la veía (solo un rato para cenar) y no puede despegar los ojos de la pantalla hasta que se acabó. ¡Es tan buena!

Para el hotel del cartel ya han pasado los años de gloria y, en su restaurante, solo se encuentran dos comensales y uno de los dos le explica al otro la historia de cómo adquirió dicho establecimiento y de lo que sucedieron en los años que van desde ese momento hasta el actual.

No puedo explicar más, pero sí decirte que si deseas verla le des una oportunidad más allá de los veinte minutos, pues es como acostumbrar la vista a la luz cuando se sale de un lugar oscuro: es molesto y querrías volver a la oscuridad, pero si aguantas un poco, todo se vuelve color y movimiento.

Dirección: Wes Anderson

Fotografía: Robert D. Yeoman

Guion: Wes Anderson

Montaje: Barney Pilling

Música: Alexandre Desplat

Actores: Ralph Fiennes, Tony Revolori, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Adrien Brody, Jude Law

Plataforma: HBO

(2014; 100’; ***; 34)

LA VENGANZA DE DON MENDO

Esta vez traigo a colación una obra de teatro que existe en película (Fernando Fernán Gómez, igual de buena) y en musical (José Sazatornil, mejor olvidarlo y poner en busca y captura a los autores de semejante majadería). He escogido esta versión porque la vi en televisión hará cerca de cuarenta años y tenía ganas de volver a ver la misma y lo he hecho dos veces seguidas, por lo que creo inútil indicar que la obra me gusta, que no ha pasado de moda aunque hable de una moda que ya ha pasado, y que la aconsejo vivamente, tanto para el que la ha visto, como para el que no lo ha hecho.

Don Mendo escala el castillo noche sí y noche también para ver a la joven del mismo, pero una noche es descubierto y, por su honor, jura que entró en él para robar. La joven, que también piensa en su honor, asegura que nunca le ha dado pie para que se fije en ella y así ella se salva y él termina en la prisión. Pero no es solo esto lo que le espera por haber querido mantener el honor de ella impoluto.

Podría hablar de lo bueno que son los requiebros de la obra, pero prefiero dejar, como muestra del ingenio de su autor, lo que dijo poco antes de que lo fusilaran: «Me lo habéis quitado todo, la familia, la libertad, pero hay algo que no me podéis quitar: el miedo»

Dirección: Gustavo Pérez Puig                                                         

Autor: Pedro Muñoz Seca     

Actores: Manolo Gómez Bur, Amparo Baró, Alejandro Ulloa, María Silva, Jaime Blanch, José M. Escuer

Plataforma: Youtube

(1979; 83’; ***; 33)

LORD LUCAN

Empezamos a ver Ladrones como nosotros (no recuerdo porqué, ni quién aparece, pero prefiero que siga en el olvido) y la dejamos a los veinte minutos. Mucho aguantamos. Marisol rebusca en Filmin y propone esta mini serie de dos capítulos basada, lamentablemente en hechos reales, y esta vez no lo digo porque no haya imaginación, sino porque la historia es tan espeluznante por las personas que aparecen en ella, por lo cercano en el tiempo, por los medios que se emplean para obtener un fin, que no acierta uno a comprender cómo es posible que alguien haga lo que se presenta aquí y, además, sea respaldado por otras personas.

Sin ánimo de desvelar cuál es la atrocidad que se le ocurre al sujeto elegante de ancho bigote, el protagonista, presentaré a los otros personajes de la historia que aparecen en el cartel detrás de él: el de la pajarita es su más fiel valedor, a pesar de que Lucan está jugando a crédito y que cada vez que da un paso es en falso y para ir a peor; la mujer de blanco es su esposa, que soporta resignadamente la mala vida que le da, a pesar de pertenecer a la alta sociedad o, quizá, por eso mismo; y por último y, en el fondo de la imagen, está su amante. Falta una protagonista, pero no hablaré de ella. Son dos capítulos y bastan para saciarle a uno de tanta estulticia, soberbia y desprecio por la ley.

Dirección: Adrian Shergold

Fotografía: Tania Reddin

Guion: John Pearson, Jeff Pope

Montaje: Tony S. Ling

Música: Ben Bartlett

Actores: Rory Kinnear, Christopher Eccleston, Catherine McCormack, Michael Gambon, Susan Gillias

Plataforma: Filmin

(2013; 2 x 52’; **; 32)

RAN

Fin de semana, fin de serie, pues toca película y Marisol va sobre seguro. Yo reconozco algunas escenas, pero no recuerdo haber visto la película. Lo que sé seguro es que no he leído El rey Lear, que es en la que se basó el guion de la película, por lo que tengo interés en verla ¿de nuevo? Cada vez me pasa más a menudo que ya no sé si he visto una película, pero eso no es un problema… siempre y cuando valga la pena verla de nuevo. Como es el caso de esta.

El sujeto del cartel, que parece un Quijote que ha perdido el oremus, es el jefe de un clan que conquistó varios territorios cuando él era joven. Ahora, antes de que su barba sea cana y su mirada perdida, ha decidido dejar el puesto de jefe a uno de sus tres hijos y, para ello, los ha reunido junto con varios de sus más importantes generales. Su decisión no es tomada con gusto por su tercer hijo, soltero, pues considera que el primogénito no será un buen jefe, por lo que decide dejar la familia. Al segundo hijo tampoco le ha gustado la decisión de su padre, pero él tiene otros planes.

Las cerca de tres horas que dura pueden hacer que más de uno no se atreva a verla pero, aunque no es lo mejor, siempre se puede hacer en dos sesiones y disfrutar con la historia, la forma de vida samurái que no muestra Kurosawa, la plasticidad y colorido de las imágenes y, también, con las bufonadas del que acompaña al jefe del clan. Puro Shakespeare.

Dirección: Akura Kurosawa

Fotografía: Asakazu Nakai, Takao Saitô, Shôji Ueda

Guion: Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Masato Ide

Montaje: Akira Kurosawa

Música: Tôru Takemitsu

Actores: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu, Daisuke Ryü, Mieko Harada, Yoshiko Miyazaki

Plataforma: Filmin

(1986; 162’; ***; 31)

YEARS AND YEARS

A mí no me sonaban de nada, pero Russell T. Davies, el guionista, y cuatro de los productores también lo eran de It’s a sin (https://caleidoscopio-personal.blogspot.com/2021/05/its-sin.html), además de Murray Gold, el compositor y Lidia West, una actriz que no me ha cabido entre los actores, por lo que nos faltó tiempo para ver esta mini serie que ha resultado ser tan buena como la ya mencionada. Hay que tener en cuenta a este guionista, pues tiene muy buenas ideas… basadas en una posibilidad futura, lo que lo hace un fuera de serie.

El título se refiere a que la abuela de la familia de la fotografía de arriba del cartel celebra su cumpleaños invitándolos a todos a su casa y, a través de estos aniversarios vemos el desarrollo de la historia que comienza en dos mil veinte cuando Trump ¡gana las presidenciales estadounidenses! A partir de aquí, la distopía va avanzando y aparece el personaje representado por Emma Thompson que es una activista política que quiere alcanzar un escaño en la Cámara de los Comunes y que tiene unas ideas y un vocabulario muy fuera de lo habitual.

La historia es muy interesante, entretenida y los personajes cubren el espectro de lo que debe ser una familia habitual en Inglaterra, pues hay un matrimonio interracial, un homosexual, una trans (sea esto lo que sea) y una ecologista, por lo que todos podemos llegar a vernos representados en algún sentido. Esto lo he dicho porque parece ser que esta es una manera de llegar al mayor número de personas posible, pero si lo que cuentan no es bueno ya puede aparecer el arca de Noé que no habrá quién se salve del naufragio. Es una serie para repetir pasado un tiempo, pues entretiene, que ya es mucho.

Dirección: Simon C. Jones, Lisa Mulcahy

Fotografía: Tony S. Ling, Stephen Murphy

Guion: Russell T. Davies

Montaje: Billy Sneddon, Jonathan Lucas

Música: Murray Gold

Actores: Rory Kinnear, T’Nia Miller, Anne Reid, Ruth Madeley, Jessica Hynes, Emma Thompson

Plataforma: HBO

(2019; 6 x 60’; ***; 30)

UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD

Durante el fin de semana vemos alguna película y Marisol se descuelga sin pensarlo mucho con esta. Yo, si la había visto ni la recordaba, pero sí que alguna escena me sonaba, como por ejemplo la de Orson Welles. Es todo un peliculón, aunque con formato de obra teatral, basado en hechos reales (antes esto no se decía) y muy recomendable, pero queda claro que es un clásico de los de antes, por lo que alguien puede criticar que es aburrida.

Enrique VIII quiere divorciarse de Catalina, pero no le basta con ello, sino que, además, quiere que toda la corte apruebe dicho acto. Tomás Moro llega a Lord Canciller con la consigna de conseguir del Papa la disolución del matrimonio, asunto que Moro no cree que deba hacerse. El rey tejerá en torno a él una serie de intrigas para hacerle cambiar de opinión, pero Moro no es un hombre fácil de engañar y muy hábil razonando.

Dirección: Fred Zinnemann

Fotografía: Ted Moore

Guion: Robert Bolt

Montaje: Ralph Kemplen

Música: Georges Delerue

Actores: Paul Scofield, Wendy Hiller, Leo McKern, Robert Show, Orson Welles, Susannah York

Plataforma: Filmin

(1967; 120’; ***; 29)

IT’S A SIN

Me parece que fue en La Cultureta que supe de esta serie y, si me hubieran dicho que me gustaría una serie sobre unos jóvenes que van a tener el sida, habría tenido todas las dudas posibles pues, como muchas veces he dicho, no me gustan las historias de tipo real, aunque termine viendo y, muchas de ellas, gustándome. Pero esta serie es muy distinta a cualquier otra que hable de algo real y allá voy con un sucinto resumen.

Estamos a principios de la década de los ochenta y unos jóvenes de diversa procedencia y raza, deciden dejar a sus padres e irse a Londres. Algunos matriculados en alguna carrera que no llegarán a cursar, otros a buscar un trabajo que les permita mantenerse y no tener que volver a la casa paterna, otros porque tienen unos sentimientos que saben que no serán comprendidos; en resumen, lo que tienen en común todos ellos es que son homosexuales y, en aquella lejana década eso ni se comentaba, ni estaba bien visto.

El párrafo anterior no aclara cual es la diferencia con cualquier otra serie dramática y, por eso, viene mi comentario: todos los jóvenes englobados en la mencionada sinopsis tienen algo más en común y que se traslada a la pantalla con tal acierto que es un enorme placer ver la serie: tienen unas enormes ganas de vivir, de ser felices, de pasar por encima de su circunstancia personal y de los avatares de la vida en Londres y los actores lo transmiten tan bien que, a pesar de que no va a acabar bien la aventura, como es de todos sabido, el tiempo que dure será mucho más feliz e intensa que las vidas de los heterosexuales que estén en sus mismas circunstancias de precariedad. Es muy posible que vuelva a verla porque es como oír una música que te traslada, si no físicamente, sí a otra situación que te hace estar mucho mejor que como estabas, a pesar de que sabes que acabará.

Dirección: Peter Hoar

Fotografía: David Katznelson

Guion: Russell T. Davies

Montaje: Sarah Brewerton

Música: Murray Gold

Actores: Olly Alexander, Nathaniel Curtis, Shaun Dooley, Omari Douglas, Lydia West, Keeley Hawes

Plataforma: HBO

(2021; 5 x 48’; ***; 28)

HIERRO

Esta serie, que consta de dos temporadas, la debimos comenzar a ver el año pasado y hace un par de meses vimos la segunda y última, parece ser. Es una lástima, aunque deba ser así si no se quiere estirar la historia hasta lo inimaginable, pues no parece lógico que en una pequeña isla vayan a estar sucediendo toda clase de hechos que permitan contar una historia que atraiga lo suficiente al espectador, sobre todo, cuando las dos temporadas anteriores lo ha hecho sobradamente.

La mujer en primer plano del cartel es una juez que ha sido destinada a la isla de Hierro debido a su carácter y forma de ver las cosas. Soltera y con un hijo que tiene una deficiencia que obliga a estar siempre con una persona. El sujeto que está detrás de ella es el propietario de un platanar y que ha tenido contactos con mafias. Tiene en común con la juez el carácter y que no se arredra fácilmente. Los negocios de este, y otros asuntos sociales, harán que la juez tenga más trabajo del que se supone deba haber en una pequeña isla.

Muy buenas actuaciones en general y particularmente de los dos actores del cartel. Toda la serie está bien cuidada y el guion mantiene el interés del espectador.

Dirección: Jorge Coira

Fotografía: José L. Bernal

Guion: Pepe Coira, Fran Araujo, Araceli Gonda

Montaje: Jorge Coira, Gaspar Broullón, Diana Toucedo

Música: Elba Fernández, Xavi Font

Actores: Candela Peña, Darío Grandinetti, Kimberley Tell, Luifer Rodríguez, Maykol Hernández

Plataforma: Movistar +

(2019-2021; 14 x 52’; ***; 26)

OSCAR 2021

 

Esta crónica de urgencia, que se salta catorce películas o series por comentar que ya he visto, comienza de manera inusual, es decir, con una imagen en lugar de que esta figure al pie de mi comentario, y el motivo es claro: mostrar lo que fue la nonagésima tercera entrega de estos premios a través del, otrora fastuoso, escenario de los mismos. Esta vez se entregaron en una estación de trenes (bonita, enorme, bien conservada y muy poco aprovechada en cuanto a imágenes); el escenario pequeño y sin pantalla (¿hablamos de los premios más importantes del cine?), rodeado de unas mesas de cabaret, pero sin las señoritas que se le suponen a un lugar así llamado, las plumas que pueden llevar o los cómicos que aparecen entre número y número; es decir, una fiesta bien aburrida. Para terminar con el andamio, solo aparecieron imágenes de las “cintas” premiadas a partir de las nominadas a la animación y en un par de ocasiones más. ¡Y eso que antes una imagen valía más que mil palabras! Y esta cantidad es la que más de un premiado utilizó para hacer que hubiera un retraso de quince minutos de los ciento ochenta previstos. Mi consejo: ahorráoslos, iros a leer, aunque sea una guía de teléfonos, pues será más entretenida que esta gala.

Como solo he visto una película de las premiadas (considerada por los culturetas como la que mayores posibilidades tenía y que, además, no dejaba de sorprender al espectador, y que para mí es mala), paso a comentar lo que me parece que será a partir de ahora, hasta que no haya otro golpe de timón, este premio. Condiciones para estar en la parrilla de salida: ser negro o que tenga que ver con la opresión a esta raza; ser asiático o de una minoría que no sea hispanoparlante; hacer películas sobre hechos reales o basados en ellos o en vidas con final luctuoso. Que la película esté bien hecha o no, puede que se tenga en cuenta, pero no es condición imprescindible. Punto.

Nomadland: película, directora y actriz: seguro que esta película sobre los norteamericanos que pierden lo que tienen y se dedican a vagar por su territorio es merecedora de estos premios, así como la directora asiática, no lo pongo en duda, y menos por la actriz. (2/6)

El padre: actor y guion adaptado. Película que relata lo que le sucede a un anciano con Alzheimer basada en una obra teatral. (2/6)

Mank: producción y fotografía. La gran favorita (2/10) no convence a los académicos, como tampoco lo hizo la que intenta recrear (ganó uno de nueve). Me había olvidado de que la vimos hace meses: https://caleidoscopio-personal.blogspot.com/2021/01/mank.html.

La madre del blues: maquillaje (para un español) y vestuario (para una nonagenaria) en una película biográfica sobre una cantante negra. (2/5)

Sound of metal. Trata de la sordera a la que se ve expuesto un batería y se lleva dos premios: sonido (ya no están separados efectos de montaje) y montaje. (2/6)

Judas y el Mesías Negro: obtiene Oscar por la canción y al actor secundario. Historia real sobre un ladronzuelo al que el FBI obligó a infiltrarse en los Panteras Negras. (2/6)

El juicio de los 7 de Chicago: también la vimos, pero no lo recordaba. Se va de vacío (0/6), pero vale la pena verla: https://caleidoscopio-personal.blogspot.com/2020/12/el-juicio-de-los-7-de-chicago.html.

(2021; 195’; *; 27)

LA CASA DE VERANO

Elijo esta película por la actriz, de la que ya hemos visto una película no hace mucho, El factor humano, y porque vi esta película anunciada en el cine una de las últimas veces que fuimos, es decir, ¡hace más de un año!

Ella interpreta al personaje principal, que es una guionista que tiene que acabar el guion de su próxima película, que trata sobre su hermano que murió joven y, a la vez, que habla de otros miembros de su particular familia, hecho que a esta no le agrada. Además, nada más comenzar la película, su marido le dice que no irá con ella de vacaciones a la casa familiar porque quiere dejarla. Con estos mimbres, no es de extrañar que las vacaciones sean más extrañas de lo que ya es habitual en la familia, y que es evidente en la primera comida familiar en la que se destapan viejos sinsabores y se ven las posiciones encontradas entre las mujeres más mayores y las de mediana edad. Tampoco hay que olvidar a los personajes secundarios que interpretan a los sirvientes de la casa o a la ayudante de guion.

La película no es una comedia y, ni mucho menos un drama. Nada entre aguas y se deja ver.

Dirección: Valeria Bruni Tedeschi

Fotografía: Jeanne Lapoirie

Guion: Valeria Bruni Tedeschi, Agnès de Sacy, Noémie Lvovsky

Montaje: Anne Weil

Música: Paolo Buonvino

Actores: Valeria Bruni Tedeschi, Pierre Arditi, Valeria Golino, Noémie Lvovsky, Yolande Moreau

Plataforma: Filmin

(2018; 128’; **; 25)

LUNA NUEVA

Volvemos a los clásicos, pues sabemos que ellos no nos fallan. De esta historia que, si no estoy equivocado, he visto cuatro versiones diferentes, siendo la última, la de Wilder, la que más me gusta. La que ahora comento hacía ya muchos años que no la volvía a ver y, a pesar de que Cary Grant siempre me gusta, creo que en este papel que no hace de chico bueno no está tan bien como en otras, pero esto no quiere decir que no sea interesante verle hacer de manipulador hasta un extremo impensable.

La señora del cartel, que no sé qué hace con ese hábito, es una periodista que trabaja en el periódico que dirige Grant. También había sido su esposa y la película comienza cuando ella se presenta con su futuro marido en el periódico para decirle a su ex que deja el periodismo para casarse. Allí se enteran ambos de un suceso que precisa el conocimiento de un buen periodista y así comienza la peripecia de ella de acudir al lugar de los hechos sin dejar de pensar en que en unas horas tiene que coger un tren para ir a casarse.

La historia es de Hecht y brilla muy alto, con réplicas y contrarréplicas muy rápidas por lo que más de una, seguramente, se nos escapan, pero hay las suficientes como  que nos siga pareciendo un texto muy ingenioso, tanto es así, que hasta las morcillas añadidas son muy buenas: le dice Grant a un auxiliar “afuera hay un joven parecido a Ralph Bellamy…”.

Dirección: Howard Hawks

Fotografía: Joseph Walker

Guion: Charles Lederer, Ben Hecht

Montaje: Gene Havlick

Música: Sidney Cutner, Felix Mills

Actores: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall, Ernest Truex

Plataforma: Filmin

(1940; 92’; ***; 24)

NO MATARAS

Seguimos con películas de los Goya. Este actor no me llama la atención y no sé muy bien porqué, pero siempre tiene la misma expresión, o bien, siempre lo he visto en papeles un tanto alelados. A medida que iba viendo la película pensaba en Jo, ¡qué noche!, película que he visto varias veces hace ya algunos años. La que hoy traigo a colación es un poco lo mismo, pero en bestia.

El personaje que aparece en el cartel con la boca abierta se encuentra con una chica que le pide que le pague la cena, cosa que hace después de pensárselo un momento. Ella le espera en la calle y le dice que la acompañe a donde trabaja para que le devuelva el dinero. El dice que no hace falta, que la invita, ella insiste en que no podría descansar si no se lo paga, él que es igual, ella le suplica y él, por fin, cede y van al trabajo de ella. Si hasta aquí no te ha sorprendido la situación, a partir de este momento no podrás dejar de pensar, pero ¿qué es todo esto?

Dirección: David Victori

Fotografía: Elías M. Félix

Guion: David Victori, Jordi Vallejo, Clara Viola

Montaje: Alberto Gutiérrez

Música: Adrian Foulkes, Federico Jusid

Actores: Mario Casas, Milena Smit, Elisabeth Larena, Fernando Valdivieso, Javier Mula, Aleix Muñoz

Plataforma: Movistar + (de pago)

(2020; 96’; **; 23)

LA BODA DE ROSA

Al rebufo de los Goya, por las nominaciones de los actores de esta película y porque Candela Peña nos ha gustado mucho en Hierro, serie de dos temporadas que está pendiente de aparecer aquí, vimos esta película que, para resumir, nos ha dejado bastante fríos.

Rosa es una mujer a la que todo el mundo le pide favores, sin importar si los puede hacer o no, pues siempre termina haciéndolos, hasta que llega un momento en que decide parar en seco: no más favores, no más trabajar hasta la extenuación y tomarse la vida de otra manera. La persona que le ha hecho tomar esta decisión ha sido su padre que se presentó en su casa con la idea de quedarse a vivir con ella, ya que es viudo. Ella, para no ofenderle, le dice que no puede quedarse porque se va a casar. A partir de ese momento, sus hermanos y los más allegados provocan una serie de enredos que no tienen la chispa para que esta comedia cubra las expectativas.

Dirección: Icíar Bollaín

Fotografía: Sergi Gallardo, Beatriz Sastre

Guion: Icíar Bollaín, Alicia Luna

Montaje: Nacho Ruiz Capillas

Música: Vanessa Garde

Actores: Candela Peña, Sergi López, Nathalie Poza, Ramón Barea, Paula Usero, Xavo Giménez

Plataforma: Movistar +

(2020; 98’; *; 22)

100 METROS

Hace ya un mes que se entregaron los Goya, ceremonia que no tenía ganas de ver, pero Marisol, una hora más tarde de que hubiera comenzado, me dijo de verla cenando, por lo que pensé que no me importaba y que cuando acabara de cenar me iría a leer. Salió Banderas y soltó un discurso contenido y comedido, como se esperaba por las circunstancias del último año pero, a mi gusto, largo y anodino; a continuación salieron algunos de los tótem del cine español tales como Almodóvar, Amenábar, Penélope y Coronado, si mal no recuerdo y, a partir de aquí, no me pude despegar del televisor hasta emocionarme por la persona elegida para entregar el último premio. A pesar de las dificultades, fue la mejor entrega de premios Goya desde la de Dani Rovira, ¿casualidad que, sin solución de continuidad, se programara esta película?

Tampoco había visto esta película porque sabía de qué iba y estoy cansado de retos reales superados; quiero recrearme en la ficción y que esta oculte la realidad que no puedo cambiar y que nos supera a todos y, mira por donde, siendo ya las tantas de la madrugada, vimos la película entera y, nobleza obliga, reconozco que no me lo pasé mal disfrutando con esos dos actores y un guion hecho a su medida.

Una pincelada de este último: Rovira interpreta a una persona joven que sufre un ataque de esclerosis múltiple y al que le advierten que será así el resto de su vida. Su suegro y él no pueden verse o, mejor, mal se soportan, pero esta vicisitud hará que, por el cariño que tienen a su hija y mujer, respectivamente, se traten lo suficiente como para que el suegro ayude al yerno a realizar lo que cualquier persona normal no acostumbra a poder hacer: un ironman, y los detalles de lo que es esto se explican claramente en la película.

Dirección: Marcel Barrena

Fotografía: Xavi Giménez

Guion: Marcel Barrena

Montaje: Nacho Ruiz Capillas

Música: Rodrigo Leao

Actores: Dani Rovira, Karra Elejalde, Alexandra Jiménez, María de Medeiros, Clara Segura, Alba Ribas

Plataforma: TVE1

(2016; 109’; **; 21)